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Metrópolis. Fritz Lang:
A este deseo de lo inédito se abandona Lang al acometer Metrópolis, según una novela de Thea von Harbou visiblemente inspirada en L'Eve future de Villers de l'Isla-Adam: historia de una ciudad -la ciudad del futuro- donde la máquina es Dios. Después de la leyenda medieval [Die Niebelungen], la ciencia-ficción. Los obreros, criados de la máquina, viven en una ciudad subterránea, sostenidos en su resignación por por una joven pura, enamorada del hijo de su patrón, que les presenta como su futuro liberador. Pero un inventor genial construye una mujer artificial que tiene las apariencias de la joven; incita a los obreros a la rebelión y estalla la catástrofe que acabará tras duras penas, con la unión del patrón (el cerebro) y los obreros (los brazos), gracias a la intervención de la pareja de enamorados (el corazón). Que aquí existan preocupaciones sociales y una ideología un poco primaria, nadie podría negarlo seriamente. No obstante, Metrópolis es una obra de gran categoría, en ocasiones poderosa. Es sobre todo un filme muy alemán.
La pasión de Juana de Arco. Carl T.Dreyer:
Obra maestra realizada en Francia por el danés Dreyer, sobre un guión de Joseph Delteil, con una interpretación completamente francesa (Falconetti, Silvain, Schutz, Dalleu, Artaud). Autor deuna obra importante en su país natal, en Suecia y en Alemania, pero donde no encontraba las condiciones de trabajo que le convenían, Dreyer vino a buscarlas a Francia. Pudo al fin dar rienda suelta a las ideas que le obsesionaban, la más original y la más audaz de las cuales era la de componer la mayor parte de su filme en primeros planos. Nunca se había visto esto. El resultado fue impresionante: "El rostro de la heroína, liso, doloroso, las caras delgadas o hinchadas, ascéticas o demasiado alimentadas, con sus granos y sus verrugas, sus pelos, sus lobanillos y carrilladas, de los prelados ensañándose", todos sin maquillaje y tomados bajos los ángulos menos usuales y más imprevistos. Era de una verdad alucinante, a la que sólo faltaba la palabra; cada uno de estos rostros exigía su expresión verbal. El mérito de Dreyer es haber demostrado que el cine había llegado a un punto en que ya no podía seguir encerrado en el silencio. (R.Jeanne)
Versiones de Frankenstein (1910-1994):
Aparece primero Frankenstein, dirigida por J. Searle Dawley (1910). En 1915 se estrenó una versión libre, Life without Soul, de Joseph W. Smiley. En 1920 el italiano Eugenio Testa adapta la novela en su Il mostro di Frankenstein.
El actor Hamilton Deane popularizó en Reino Unido y Estados Unidos la producción teatral Frankenstein: An Adventure in the Macabre (1927), antecedente de las dos películas más conocidas, Frankenstein (1931) y La novia de Frankenstein (Bride of Frankenstein, 1935), del británico James Whale. Boris Karloff crearía una imagen universal gracias al peculiar maquillaje de Jack Pierce, que fijó la estética del monstruo.
Entre las siguiente películas destacan La maldición de Frankenstein (Curse of Frankenstein, 1957), del británico Terence Fisher, uno de los principales renovadores de este mito popular; y la comedia de Mel Brooks El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein, 1974). Roger Corman dirigió en 1990 una versión de la novela Frankenstein desencadenado (1973), de Brian Wilson Aldiss, protagonizada por un científico del siglo XXI que participa en la animación del monstruo. En 1994, el actor y director británico Kenneth Branagh llevó a cabo una adaptación más fiel a la novela original, Frankenstein de Mary Shelley.
Napoleón. Abel Gance (1927):
Tras la muerte de de Gance (1889-1981), la película fue restaurada y comercializada por Francis Ford Coppola con música de Carmine Coppola.
Fue estrenada en su versión de 135 minutos en la Opera de París.
Las obras posteriores de Gance, Austerlitz (1960) y Cyrano y D'Artagnan (1963), tuvieron poco éxito. El estado francés reconoció su enorme contribución con diversas condecoraciones como la Legión de Honor, pero la industria no demostró interés por sus cualidades.
Además de técnicas de su invención, utilizaba los recursos expresivos que acababa de introducir Griffith, como el primer plano centrado en la expresión de un personaje o en un objeto para transmitir tensión dramática; el fundido-encadenado, transición de una escena a otra mediante la desaparición gradual; o el flashback para aclarar algún aspecto de la historia con sucesos anteriores en el tiempo.
The 39 Steps. Alfred Hitchcock (1934):
Robert Donat stars as an innocent man who becomes involved in international espionage. He flees from England to Scotland before he is able to find the real villains and clear his name. Madeleine Carroll plays a woman who believes Donat to be the real criminal. Perhaps Alfred Hitchcock's best film from his early years, the story represents one of his most familiar themes -that of an innocent man caught in circumstances not of his making, which he cannot control. The film also exhibits some of the visual motifs that would later become part of the Hitchcock style. Godfrey Tearle, Wylie Watson, and Peggy Ashcroft also star in this classic thriller. 81 min.
Ninotchka. Ernst Lubitsch (1939):
Was the long-awaited, classic romantic comedy, with a clever and witty script and the magnificent presence of Greta Garbo in her first official American comedy (in her next-to-last film). The charming film about clashing ideologies (Soviet communism vs. capitalism) begins with Garbo portrayed at first as a humorless, cold, curt, deadpan, and seriously-austere Russian envoy (in a parody of her own stiff onscreen image), who soon melts and is transformed and softened by Parisian love (and a persuasive playboy Count) into a frivolous, romantic figure and converted Communist.
The film was nominated for four Academy Awards (with no wins in the year of the victorious Gone With the Wind), including Best Picture, Best Actress (Greta Garbo with her fourth and last unsuccessful nomination), Best Original Story (Melchior Lengyel), and Best Screenplay (co-writer Billy Wilder's first of a career 21 nominations)
MGM's film promotions and publicity used the slogan: "Garbo Laughs!" capitalizing on the legendary Garbo mystique and persona and promising to humanize it.
The film is also noted for being one of the earliest political spoofs of Stalin's Communist Russia (with its absolute control, power of censorship, and drab life of deprivation for average citizens), especially remarkable because the film was released during war in Europe (a month after Hitler's Nazi Germany invaded Poland). The Russian emissaries in the film are portrayed as comedic, stereotypical caricatures who actually take a liking to the capitalistic system. When the film was released, it was banned in the Soviet Union and its satellites.
El gran dictador. Charlie Chaplin (1940)
La llegada del sonoro a finales de la década de 1920 no perjudicó la efectividad de su pantomima, de la que dependía en gran parte su creación. Al mismo tiempo, comenzó a manifestar su preocupación por los problemas sociales de su época. Más tarde abandonó el papel del vagabundo para hacer personajes específicos, en una transición que marca El gran dictador, donde ya utiliza plenamente los recursos del sonoro. El enfoque chapliniano combina la sátira y el patetismo melodramático, bajo los que late el amor a la humanidad y a la libertad individual.
Sus películas más importantes como actor, director y productor fueron las mudas: El chico (1921), El peregrino (1924), La quimera del oro (1925), El circo (1928), Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936), todas ellas récords sucesivos de taquilla, pese a realizarse ya durante la época del cine sonoro. A éstas siguieron El gran dictador (1940), Monsieur Verdoux (1947), donde aparece por última vez su personaje de Charlot, Candilejas (1952) y Un rey en Nueva York (1957).
A finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, Chaplin sufrió la persecución del Comité de Actividades Antiamericanas, por su pensamiento político de izquierdas; abandonó Estados Unidos en 1952 para establecerse en Suiza. En 1972 volvió por un breve periodo de tiempo para recibir varios premios, entre ellos un Oscar honorífico.
Cecil Blount De Mille:
Nació en Ashfield, Massachusetts, el 12 de agosto de 1881 y murió en Hollywood el 21 de enero de 1959. Hermano del escritor y director William deMille, tío de la coreógrafa Agnes deMille, padre adoptivo de la actriz Katharine DeMille y suegro de Anthony Quinn. Llevó a cabo intensa actividad en el cine mudo y estuvo presente en la génesis de la Paramount. Desde 1932 tuvo a su cargo en esta compañía una unidad independiente de producción, al frente de la cual realizaba sus films. Durante el sonoro acostumbró a conjugar temas de aventuras y marcos históricos en el ámbito de la superproducción, con tendencia simultánea al humor -extendido a los aspectos sexuales- y al melodrama. Muy creativo en la visualización, preparó meticulosamente la puesta en escena de sus vibrantes espectáculos. Fue nominado al Oscar por su penúltimo film, The Greatest Show on Earth (1952, El mayor espectáculo del mundo), al que la Academia consideraría el mejor del año. Entre sus otros films: The Sign of the Cross (1932, El signo de la cruz), Cleopatra (1934), The Crusades (1935), The Plainsman (1936, Buffalo Bill y Una aventura de Buffalo Bill), Union Pacific (1939), North West Mounted Police (1940, Policía Montada del Canadá), Reap the Wild Wind (1942, Piratas del Mar Caribe), The Story of Dr.Wassell (1944, Por el valle de las sombras), Samson and Delilah (1950, Sansón y Dalila), The Ten Commandments (1956).
Oscars década 1930:
1930: Sin novedad en el frente - Lewis Milestone
1931: Cimarrón
1932 - Gran Hotel (Director: Frank Borzage - Bad Girl)
1933 - Cabalgata - Frank Lloyd
1934 - Sucedió una noche - Frank Capra
1935 - El motín de la Bounty - (Director: John Ford - El delator)
1936 - El gran Ziegfield - (Director: Frank Capra - Mr. Deeds Goes to Town)
1937 - La vida de Emile Zola - (Director: Leo McCarey - La pícara puritana)
1938 - Vive como quieras - Frank Capra
1939 - Lo que el viento se llevó - Victor Fleming
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